L'art collectif fait référence à l'union d'un groupe d'artistes, de deux à bien d'autres. Cette union est faite dans l'intention de collaborer entre les mêmes artistes pour générer une ou plusieurs œuvres artistiques.
En général, les artistes qui se réunissent pour créer une œuvre d'art collective partagent souvent des pensées ou des idées politiques, sociales ou culturelles, et leurs œuvres expriment un grand contenu de ces idéaux..
D'un autre côté, dans la plupart des cas, les groupes artistiques n'ont pas tendance à travailler dans un but économique, mais la plupart de leurs œuvres sont à but non lucratif..
Certaines des caractéristiques les plus importantes de l'art collectif sont les suivantes:
Les personnes qui rejoignent ou forment des groupes artistiques ont tendance à s'unir sous la même idéologie ou la même façon de penser. Celles-ci peuvent être des idéologies politiques, sociales ou économiques, entre autres.
La plupart des œuvres réalisées par des collectifs artistiques ont la particularité d'avoir une uniformité technique, de sorte qu'aucun type de trait particulier d'un artiste n'est distingué, mais elles semblent n'être réalisées que par une seule personne.
Un travail réalisé par un collectif artistique peut être réalisé par une seule discipline, ou par plusieurs à la fois.
Une œuvre d'art collective peut donc s'exprimer à travers une installation artistique, ou elle peut aussi être exposée à travers la sculpture, la musique ou la danse, entre autres techniques, soit en utilisant une seule discipline, soit en en mélangeant plusieurs..
La plupart des personnes qui rejoignent des collectifs artistiques ne le font pas pour des raisons financières, mais pour exprimer leurs idées avec d'autres artistes qui pensent de la même manière..
La plupart des collectifs artistiques ont tendance à ne pas durer dans le temps, généralement les artistes qui participent à une œuvre d'art collective ont tendance à ne s'impliquer que pour une œuvre, et une fois qu'elle est terminée, ils se désengagent..
Les techniques utilisées pour la réalisation d'une œuvre d'art collective sont diverses.
De plus, chacune de ces techniques peut être composée uniquement d'un langage artistique particulier, tel que la musique ou la peinture, ou combiner deux ou plusieurs langages artistiques différents dans la même œuvre. De cette manière, différents artistes ayant des compétences dans différents langages artistiques peuvent être réunis et fusionnés pour créer une seule œuvre..
Voici quelques-unes des techniques les plus utilisées dans l'art collectif:
L'installation artistique est une technique où un certain espace est utilisé pour créer l'œuvre. Cet espace peut être un salon, les murs, le sol, ou même un endroit à l'extérieur..
Dans ce type de technique, parfois le spectateur fait partie de l'œuvre, pouvant interagir avec elle.
À ses débuts, dans les années 60, ce type d'ouvrages était temporaire, c'est-à-dire qu'ils étaient présentés dans un certain endroit pendant une durée préétablie puis démontés. Cependant, aujourd'hui, certaines de ces installations artistiques sont permanentes..
La peinture murale est l'une des techniques les plus utilisées, tant par l'art collectif que par les artistes solos. Fondamentalement, c'est une peinture faite sur un mur, que ce soit d'un bâtiment, d'une maison ou de tout autre endroit.
La peinture murale est utilisée par les artistes d'un collectif artistique, dans la plupart des cas pour refléter une sorte de pensée ou de sentiment sur un sujet particulier de la société. De plus, ils représentent généralement des épisodes tragiques qui se sont produits dans la communauté..
Ceci est fait, entre autres raisons, comme un moyen d'installer un problème particulier dans la société, et sur lequel il peut être réfléchi..
C'est une discipline artistique dans laquelle l'artiste ou les artistes essaient de générer une réaction chez le spectateur. Ces interventions peuvent être données dans des musées, des galeries d'art ou même dans la rue, et sont généralement des présentations temporaires et spontanées..
En utilisant la performance ou l'action artistique, un collectif artistique peut exposer ses pensées à la société, en émettant des critiques sociales qui font réfléchir le spectateur..
L'art collectif au Mexique a ses débuts à la fin des années 60 et au début des années 70, dans un contexte social et politique très agité..
L'année 1977 a été l'une des plus importantes dans les débuts de l'art collectif mexicain, puisque sa participation à la X Biennale des Jeunes à Paris, avec une œuvre à fort contenu politique, a attiré beaucoup d'attention du grand public..
Depuis ce moment, l'art collectif au Mexique s'est développé et a ajouté de nouveaux artistes, qui développaient un nouveau langage à travers l'expérimentation avec différents matériaux et supports artistiques..
L'un des points d'union de tous les groupes artistiques collectifs était le fait d'être critique, soit sur le plan politique ou social, soit sur le système artistique..
Cette tradition de l'art collectif continue d'être utilisée à ce jour au Mexique, avec des artistes qui se réunissent pour créer une œuvre particulière puis se séparent, ou avec des collectifs artistiques qui travaillent ensemble depuis longtemps..
Voici quelques exemples d'œuvres d'art collectives et de leurs artistes.
Mira était un groupe d'artistes qui a créé diverses œuvres d'art collectif dans les années 70 au Mexique. Le groupe était composé de Melecio Galván, Rebeca Hidalgo, Arnulfo Aquino et Jorge Perezvega.
Ce groupe a réalisé des œuvres graphiques amovibles qu'il a appelées «communications graphiques», et qui ont été installées dans les écoles, les syndicats et les quartiers populaires..
Dans ses œuvres, les sujets traités étaient de nature sociale, tels que la répression, le pouvoir, la pauvreté et la violence, entre autres..
Le mouvement CoBrA a été créé en France à la fin de la Seconde Guerre mondiale, et a duré entre 1948 et 1951. Son nom fait référence à trois des villes de ses membres fondateurs les plus importants, Copenhague, Bruxelles et Amsterdam..
Ses fondateurs, Asger Jorn, Karel Appel et Pierre Corneille, ainsi que d'autres artistes comme Christian Dotremont, ont créé le groupe en opposition à l'art occidental, qui était à l'époque le centre de l'art mondial..
Ce collectif artistique a fait l'éloge du style d'art primitif, comme celui des enfants, et, en plus, ils ont reconsidéré le surréalisme.
Ce collectif anonyme dirigé par des artistes féministes a été fondé en 1985 et a été à la hauteur de son nom pour avoir utilisé des stratégies d'art de guérilla pour propulser le mouvement artistique des femmes..
Le groupe porte souvent des masques de gorille, des bas résille et des minijupes, symboles emblématiques de leur mouvement et de leurs communications..
Ils affirment qu'aucune personne, pas même sa famille ou son partenaire, ne connaît son identité, refusant d'avouer le nombre total de femmes qui composent son équipe; On pense qu'il était composé de 20 à 30 artistes. Leurs propositions sont basées sur des actions, des affiches et des panneaux d'affichage.
Ce collectif est composé de 4 artistes autrichiens qui se sont rencontrés en 1978 et qui ont commencé à se faire remarquer grâce à leur travail acharné au début des années 90..
Jusqu'en 2005, ils ont gardé le nom de gélatine (gélatine), pour changer plus tard en gélitine. Sa proposition est basée sur des actions à grande échelle, des installations et des interventions d'espaces qui diffèrent les uns des autres par leur échelle et leur ambition. Ils se caractérisent par leur caractère subversif et ont tendance à impliquer le public dans leurs actions.
Un échantillon de son travail est le travail Zap de Pipi (2005) dans lequel ils ont créé un glaçon géant avec des échantillons d'urine congelés des visiteurs de la Biennale de Moscou.
L'une des œuvres les plus connues de Gelitin est Hase, un lapin rose de 55 mètres installé sur une colline en Toscane, en Italie, qui restera sur place jusqu'en 2025.
C'était un groupe d'architecture d'avant-garde créé dans les années 1960 qui se concentrait sur une proposition futuriste, pro-communiste, anti-héros et hautement inspirée de la technologie..
Le groupe a exploré des capsules spatiales, des images de consommation de masse, de survie, offrant une perspective séduisante sur l'avenir des machines dans lesquelles les questions sociales et environnementales étaient omises, transformant la réalité dans leur propre langage..
Ses œuvres ont inspiré d'autres artistes et projets technologiques. L'une de ses œuvres les plus connues est La ville qui marche (1964), qui se composait d'éléments vivants géants qui ressemblaient à un mélange de machines et d'insectes qui pouvaient voyager à travers les villes, derrière tout un fondement situationnel.
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