le caractéristiques théâtrales les plus importantes sont étroitement liés aux éléments communs à tout travail ou performance. Le terme théâtre a ses origines dans le mot grec théâtron, ce qui signifie un "endroit pour regarder".
Ainsi, à l'origine, le théâtre se référait à la fois à un lieu et à une forme particulière de perception. Aujourd'hui, le concept de théâtre peut faire référence à: un bâtiment, une activité (`` aller '' ou `` faire '' du théâtre), une institution et une forme d'art.
Le théâtre est la branche de l'art scénique liée au jeu d'acteur et à la représentation d'histoires devant un public en direct, utilisant une combinaison de discours, de gestes, de paysages, de musique, de sons et de spectacles qui cherchent à stimuler et exciter le spectateur..
L'esprit joue également un rôle important dans le théâtre, puisque cette expression artistique est déchiffrée en fonction de la perception et de l'imagination du spectateur..
Toutes les pièces ont des éléments communs qui caractérisent cet art. Ensuite, vous pourrez voir plus en détail les fonctionnalités les plus remarquables.
C'est ce qui se passe dans le travail. Cela fait référence à l'action. L'organisation d'événements ou la sélection et l'ordre des scènes d'une pièce. Selon Aristote, il s'agit d'un concept abstrait qui fait référence à l'agencement des incidents qui constituent la matière première et les composants de l'histoire..
L'intrigue est la façon dont ces incidents sont structurés en un tout cohérent. Si la disposition de l'ordre d'origine est modifiée, un nouveau cadre sera généré. Deux types d'intrigue prédominent dans le théâtre. Voici ses principales caractéristiques et éléments différenciants:
Alors que l'intrigue fait référence à l'action de la pièce, le thème fait référence à la signification de la pièce. Parfois, il est clairement indiqué dans le titre.
D'autres fois, cela peut être exprimé par le dialogue d'un personnage qui joue le rôle de la voix du dramaturge. Parfois, le sujet est moins évident et n'apparaît qu'après analyse du contenu de l'œuvre..
Ce sont les personnes, les animaux ou les idées qui sont représentés par les acteurs de la pièce. En termes structurels, les personnages sont les agents de l'action, ceux qui fournissent les motivations pour que les événements de l'intrigue se produisent..
Chaque personnage doit avoir sa propre personnalité, son âge, son apparence, ses croyances, son milieu socio-économique et sa langue. Selon leurs fonctions dans l'œuvre, certains types de personnages peuvent être esquissés:
C'est le point de départ de la représentation théâtrale. C'est le texte par lequel la pièce est créée. Il se compose de dialogues, d'instructions scéniques, de descriptions de personnages, etc. dans une pièce. Fait référence aux mots écrits par le dramaturge et interprétés par les personnages.
Classe distinctive de l'œuvre. Le genre vient d'un mot français qui signifie «catégorie» ou «type». Le choix du genre reflète le point de vue de l'écrivain sur le sujet.
Les types d'œuvres suivants sont généralement exécutés au théâtre: tragédie, comédie, mélodrame et tragicomédie. Chacun de ces genres peut être subdivisé par style et contenu en:
C'est une imitation d'une action sérieuse, complexe et pertinente. La tragédie est de nature grave dans son objet et traite de problèmes profonds. Ces problèmes profonds sont universels et suscitent de la compassion et de la peur dans le public alors qu'il est témoin de l'action..
Elle a la vision de faire rire le public, elle est généralement physique et énergique. Le comportement des personnages présentés est ridicule et parfois absurde. Stimule le public pour corriger le comportement de la société.
C'est le drame de la catastrophe, des circonstances indépendantes de la volonté du protagoniste provoquent les événements significatifs de l'intrigue. Les aspects de culpabilité et de responsabilité du protagoniste sont supprimés.
Le protagoniste est victime des circonstances. Le mélodrame a un sens de jugement moral strict. Tous les problèmes présentés sont résolus de manière bien définie. Les bons personnages sont récompensés et les mauvais personnages sont punis.
C'est le reflet de la vie elle-même, il contient tous les genres précédents. Il n'a pas la prétention de juger, ni de rendre des jugements absolus. Il se concentre sur les relations de caractère et montre la société dans un état de flux continu.
Ce sont des éléments qui servent à caractériser les acteurs lors de la recréation d'un personnage.
Désigne les vêtements et accessoires portés sur scène par un acteur ou un artiste. Les Grecs de l'Antiquité ont été les pionniers dans le développement de costumes spécifiques pour chaque personnage, cet art a servi à faire revivre l'époque médiévale et à représenter les grands marquis de la cour.
C'est l'utilisation de cosmétiques dans l'altération de l'apparence physique d'un acteur afin d'adapter son apparence à un certain rôle ou pour compenser les effets de l'éclairage de scène..
L'art du maquillage a été révolutionné par l'introduction de l'éclairage électrique et à gaz et est aujourd'hui devenu une pratique hautement technique..
Le placement, l'intensité et la couleur des lumières, ainsi que les effets sonores aident le réalisateur à communiquer l'atmosphère, l'humeur ou le sentiment d'une scène.
L'éclairage a été reconnu comme une caractéristique importante de la production théâtrale lorsque les représentations en salle ont été données pour la première fois à la Renaissance, impliquant l'utilisation de bougies et de liquides inflammables..
Les innovations cruciales dans la technologie d'éclairage comprenaient l'introduction de lampadaires, l'utilisation de réflecteurs pour augmenter l'intensité des faisceaux lumineux et la gradation des lumières dans l'auditorium en 1876..
Le développement de l'éclairage au gaz au début du XIXe siècle représente une avancée majeure malgré les dangers encourus. L'utilisation de l'éclairage électrique a commencé au California Theatre de San Francisco en 1879.
Les systèmes d'éclairage actuels des théâtres modernes sont contrôlés par des tableaux de bord informatisés hautement sophistiqués, qui peuvent coordonner l'éclairage d'un système entier. D'autres innovations récentes ont inclus des expériences avec la lumière ultraviolette, les lasers et l'holographie..
Les effets sonores sont les bruits générés pour accompagner une scène dans une pièce, qui peuvent être produits par des ordinateurs ou par des acteurs sur et en dehors de la scène..
Il est la personne responsable de l'unité totale de production et de la coordination des efforts des artistes. Le travail du metteur en scène est au cœur de la production d'une pièce, car c'est le metteur en scène qui définit la vision de la production pour toutes les personnes impliquées..
Le réalisateur a la tâche difficile de rassembler de nombreuses pièces complexes d'une production: le scénario, les acteurs, les costumes, l'éclairage, le son et la musique en un tout unifié. Pour mener à bien cette tâche, un responsable a besoin:
Le travail du réalisateur est souvent basé sur une étude et une analyse détaillées du scénario à éditer. De nombreuses lectures minutieuses du scénario aident le réalisateur à développer une vision individuelle des intentions du dramaturge. Votre perception influencera n'importe quel aspect de la production.
Les réalisateurs étudient également les personnages du scénario, rassemblant autant d'informations que possible sur leurs traits physiques et psychologiques, ce qui est essentiel pour la sélection du casting..
Groupe de personnes qui voient le travail. De nombreux dramaturges et acteurs considèrent que le public est l'élément le plus important du théâtre, puisque tous les efforts consacrés à l'écriture et à la production d'une pièce le sont pour le plaisir du public..
Du fait que dans le théâtre, les interprètes sont en présence directe avec le public, un flux circulaire d'énergie est généré, l'acteur affecte le public et vice versa. Cet effet est amplifié par le fait que le théâtre est un événement communautaire..
L'expérience de groupe est indispensable, car le groupe renforce les émotions ressenties par l'individu et crée une conscience collective. Lorsqu'un groupe d'individus réagit de manière similaire à ce qui se passe sur scène, leur relation avec les autres est réaffirmée et renforcée..
Le degré de séparation entre la distribution et le public est ce qui différencie le théâtre conventionnel du théâtre participatif.
Dans la première, le public utilise son imagination pour participer à la pièce tout en se détachant de l'action. Dans le second, les acteurs interagissent avec le public en essayant de suivre un scénario établi et improvisé, mettant l'accent sur le développement personnel ou la thérapie de groupe..
Au théâtre, on demande au public d'accepter de nombreux types de mondes imaginaires. Une façon de différencier ces royaumes imaginaires est de les diviser en ce qu'on appelle un théâtre réaliste et irréaliste..
Le réalisme, qui est devenu la forme dominante du théâtre européen à la fin du XIXe siècle, tente de recréer la vie si étroitement que le public suppose qu'elle doit être la vie. Le non-réalisme, en revanche, tente de transcender la réalité observée et de présenter la partie de la vie qui existe dans l'esprit..
Cependant, c'est une erreur de supposer que ces deux approches s'excluent mutuellement. La plupart des performances scéniques contiennent un mélange d'éléments réalistes et irréalistes.
Il sert à recréer l'environnement dans lequel se déroule l'intrigue, la scénographie a les objectifs suivants:
Tous ces objectifs sont abordés lors de multiples réunions entre le réalisateur, le scénographe et l'équipe de conception. Plus tard, les idées se reflètent dans des croquis, qui après révisions, analyses et modifications permettent de concevoir la scénographie qui s'adapte le mieux à l'histoire et à la vision des créatifs..
Une fois cette étape terminée, les conceptions sont livrées à un directeur technique, qui effectue les constructions, ajustements et installations nécessaires sur la scène pour la matérialisation du projet..
Ce sont les équipements de théâtre, tels que les rideaux, les sols, les toiles de fond ou les plates-formes, qui sont utilisés dans une production dramatique.
Il existe différentes catégories d'accessoires. La plupart des accessoires portables proviennent du script et sont des éléments requis par le réalisateur. Le décorateur demande aussi généralement des accessoires de décors tels que les meubles qui apparaissent sur la scène, parfois il y a une fine ligne de démarcation entre ce type d'accessoires et la scénographie..
Les accessoires sont tout élément en mouvement qui apparaît pendant une représentation, à l'exclusion des costumes et de la scène. Ce sont des objets manipulés par un ou plusieurs acteurs. Un livre, un pistolet, un verre de vin, entre autres.
Ils représentent une division importante dans le développement de la pièce. La plupart des pièces de théâtre de l'époque élisabéthaine au 19e siècle ont été divisées en cinq actes par des dramaturges ou des éditeurs ultérieurs..
À la fin du 19e siècle, de nombreux écrivains ont commencé à écrire des pièces de théâtre en quatre actes. Aujourd'hui, un, deux et trois actes sont les jeux les plus courants..
C'est l'espace dans lequel les acteurs ou les publics se réunissent. Il est essentiel d'avoir un espace où l'artiste, interprète, communique avec un public en direct..
Les bâtiments théâtraux ont évolué des amphithéâtres en plein air des Grecs et des Romains à l'incroyable variété de formes que nous voyons aujourd'hui. C'est un espace qui favorise l'échange émotionnel entre le casting et le public.
Une convention théâtrale est un outil pratique utilisé par le dramaturge ou le metteur en scène pour aider à raconter l'histoire de la pièce au théâtre. La convention théâtrale la plus courante est celle des personnages qui se parlent et font semblant de ne pas remarquer le public..
Souvent appelée convention du quatrième mur ou quatrième écran, elle simule l'existence d'une division (invisible) entre les acteurs et le public.
Quand exactement le théâtre a commencé est un mystère. Les chasseurs préhistoriques ont joué des histoires sur leurs expéditions de chasse. Les anciens Égyptiens ont interprété des chants sacrés et dansé pour leurs dieux lors de cérémonies religieuses. Mais l'idée du théâtre comme divertissement dramatique est venue plus tard.
Les mots anglais pour tragédie et comédie sont connus pour venir de la langue des anciens Grecs. Bien que les Grecs n'aient pas été les premiers à jouer des pièces de théâtre, ils étaient très intéressés par les origines de la tragédie et de la comédie..
Dans leurs écrits, le philosophe Aristote et d'autres écrivains grecs ont proposé des théories et créé des hypothèses sur le développement de la forme artistique du théâtre..
Des pièces de théâtre grecques ont été jouées dans des théâtres en plein air. Au début, les théâtres se trouvaient dans des espaces ouverts situés au centre de la ville ou à flanc de coteaux. Le public était prêt à écouter et à regarder la chorale chanter les aventures d'un dieu ou d'un héros..
Vers la fin du 6ème siècle avant JC. C., les structures théâtrales sont devenues plus élaborées. Au fur et à mesure que le théâtre devenait de plus en plus populaire et compétitif entre les villes, les théâtres s'agrandissaient avec des structures capables d'accueillir jusqu'à 15 000 personnes à la fois..
Le théâtre existe depuis que les gens se sont réunis pour entendre quelqu'un d'autre raconter une histoire. Les amis et la famille partageaient les responsabilités du public et de l'interprète, échangeant des rôles tant que quelqu'un avait une histoire à partager.
Le théâtre moderne peut être plus formel, avec des acteurs formés pour reconstituer une histoire et des spectateurs sophistiqués réagissant à une mise en scène, mais l'idée de partager les énergies entre la distribution et un public en direct reste inchangée..
Personne n'a encore commenté ce post.