Oswaldo Guayasamin (1919-1999) est l'un des artistes les plus importants d'Amérique latine, dont le travail a été exposé dans les plus grandes salles du monde. Son art a un sentiment indigène profond avec une position idéologique et picturale caractéristique du continent américain: le réalisme social..
Né à Quito et formé sous les canons traditionnels de l'art, Guayasamín a rompu avec ces plans pour saisir la réalité des peuples autochtones d'Amérique latine qui ont souffert de l'oppression, ainsi que des attaques de la colonie et du métissage..
Avec un style expressionniste, les créations de cet artiste équatorien ont été nourries par des muralistes mexicains en termes d'expressivité, d'utilisation de la couleur et de la force qu'elles transmettent, pour laisser à l'observateur la sensation de l'énergie vitale de l'auteur et, de cette manière, faire connaître votre protestation.
En plus de cette essence indigène, son travail se caractérise également par l'appropriation de courants d'avant-garde tels que le cubisme et l'expressionnisme, sans perdre le réalisme de montrer une réalité de la violence qu'il dénonce..
Il a réalisé d'impressionnantes expositions - plus de 200 individuelles - dans les musées les plus importants du monde, comme en France, en Espagne, dans l'ex-Union soviétique, en Tchécoslovaquie, en Pologne, au Mexique, au Chili et en Argentine..
Guayasamín est également connu pour se lier d'amitié avec des personnalités de classe mondiale, telles que le poète Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, le roi Juan Carlos d'Espagne, Gabriel García Márquez et Carolina de Mónaco, parmi d'autres qu'il a dépeints..
En 1991, le gouvernement équatorien a reconnu le travail prolifique de l'artiste et sa contribution à l'art mondial, pour lequel il a décidé de créer la Fondation Guayasamín, à laquelle le peintre a fait don de toutes ses créations et de ses collections d'art..
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Oswaldo Guayasamín est né à Quito le 6 juillet 1919 et était le frère aîné d'une famille de dix personnes. Son père, José Miguel Guayasamín, était un indigène de la tribu Quechua; tandis que sa mère, qui s'appelait Dolores Calero, était métisse.
Dès son plus jeune âge, il a montré son penchant pour la peinture en faisant des caricatures de ses camarades de classe et en réalisant des affiches pour le magasin que sa mère tenait. De plus, il peint des tableaux sur des morceaux de carton qu'il vend aux touristes pour payer leurs études..
Malgré la ferme opposition de son père, le jeune Guayasamín s'est inscrit à l'École des Beaux-Arts de l'Équateur, dont il a obtenu son diplôme de peintre et sculpteur en 1941, recevant également la reconnaissance d'être le meilleur élève de sa classe..
Un an à peine après avoir obtenu son diplôme, il a réussi à organiser sa première exposition dans la capitale équatorienne. Cette exposition a été marquée par son caractère de dénonciation sociale, qui a fait grand bruit parmi les participants et les critiques de l'époque.
Avec ce style particulier, le jeune Guayasamín a réussi à captiver Nelson Rockefeller, qui lui a acheté plusieurs tableaux et l'a soutenu dans son avenir..
Après cette exposition controversée et avec le soutien de Rockefeller, Guayasamín a déménagé aux États-Unis, où il a également exposé ses peintures. Pendant les 7 mois de son séjour, il a visité tous les musées qu'il a pu pour entrer en contact direct avec l'œuvre d'El Greco, Goya, Velásquez et celle des muralistes mexicains Diego Rivera et Orozco..
Avec l'argent qu'il a réussi à gagner, il s'est rendu au Mexique pour rencontrer un grand professeur, le muraliste Orozco, qui, impacté par son talent, lui a permis d'être son assistant. Au cours de cette visite, il rencontre également Diego Rivera et apprend de tous les deux la technique de la peinture en plein air. Au Mexique, il est devenu ami avec Pablo Neruda.
En 1945, il a fait un voyage mémorable: du Mexique à la Patagonie. Au cours de ce voyage, il a visité chaque ville et chaque ville pour prendre des notes et des dessins de ce qui était sa première série de 103 peintures appelée Huacayñan, qui en Quechua signifie "La Voie des Pleurs", dont le thème est le noir, l'Indien et le métis.
De cette manière, tout son travail a commencé à tourner autour du thème indigène, sur l'oppression et la violence dont les peuples indigènes ont été victimes..
L'œuvre monumentale La façon de pleurer Il a été réalisé grâce au soutien que la Casa de la Cultura a apporté à Guayasamín.
Cette série a été exposée pour la première fois à Quito en 1952 au Museo de Arte Colonial, et la même année à Washington et Barcelone (Espagne), lors de la III Biennale Hispanoamérica de Arte. Lors de ce dernier événement, il a reçu le Grand Prix de Peinture.
En plus d'avoir des expositions monumentales dans les principaux musées du monde, l'œuvre de Guayasamín est également présente dans de grandes constructions.
Par exemple, une fresque en mosaïque de verre vénitienne se trouve dans le Centro Simón Bolívar à Caracas depuis 1954, qui s'appelle Hommage à l'homme américain.
Pour son pays natal, il a réalisé deux impressionnantes peintures murales en 1958. La première est La découverte du fleuve Amazone, également fait en mosaïque vénitienne, qui se trouve dans le palais du gouvernement de Quito. L'autre a été fait pour la Faculté de droit de l'Université centrale de l'Équateur qui reçoit le nom de Histoire de l'homme et de la culture.
En 1982, une peinture murale de plus de 120 mètres que Guayasamín a peinte avec de la poussière de marbre et de l'acrylique a été inaugurée à l'aéroport de Barajas à Madrid. Cette œuvre monumentale comprend deux parties: l'une est consacrée à l'Espagne et l'autre à l'Amérique.
Son travail est également présent au siège de l'Unesco à Paris et à Sao Paulo. Ses monuments ornent également l'Équateur: Vers la jeune patrie est à Guayaquil et À la résistance à Quito.
Grâce à son travail prolifique, son caractère de dénonciation sociale et sa signification universelle, Guayasamín a reçu de nombreux prix et reconnaissances pour sa carrière.
Son travail a été reconnu dans le monde entier du fait qu'en 1957, il a reçu le prix du meilleur peintre d'Amérique du Sud, décerné par la Biennale de Sao Paulo, au Brésil. Cela a marqué la consolidation de son internationalisation.
En 1976, avec ses enfants, il crée la Fondation Guayasamín pour faire don de son patrimoine artistique à l'Équateur. Grâce à cette fondation, il a pu organiser trois musées: l'art précolombien, l'art colonia et l'art contemporain..
Il a été nommé membre de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Espagne et membre honoraire de l'Academia de Artes de Italia. Il a également été nommé vice-président et plus tard président de la Maison de la culture de Quito en 1973..
De plus, il a été le premier artiste latino-américain à recevoir une décoration du gouvernement français; cela s'est passé en 1974.
Il est décédé le 10 mars 1999 sans terminer sa plus grande œuvre., La chapelle de l'homme, qui a été conçu par l'artiste comme un hommage à l'humanité, en particulier au peuple latino-américain. C'est un musée d'art construit à Quito qui vise à rassembler l'art latino-américain du Mexique à la Patagonie.
La production de Guayasamín est marquée depuis ses débuts par son profond esprit indigène, et est chargée d'un contenu élevé de dénonciation sociale. Il a ainsi pu franchir les frontières des canons traditionnels et devenir l’un des plus fervents défenseurs des peuples autochtones d’Amérique latine..
Pour développer son style personnel, il se nourrit de l'influence des muralistes mexicains, en particulier de son professeur Orozco. Il était aussi un fervent défenseur de l'expressionnisme, qui donnait à toute sa création un côté humaniste en reflétant la douleur et la souffrance subies par une bonne partie de l'humanité..
De cette manière, l'œuvre de Guayasamín s'inscrit dans ce courant expressionniste dans lequel la réalité expressive compte plus sans traiter de la réalité extérieure, mais plutôt des émotions qu'elle suscite chez l'observateur..
Pour cette raison, ce peintre a affirmé que «ma peinture est de blesser, de gratter et de frapper le cœur des gens. Montrer ce que l'homme fait contre l'homme ». Cela est particulièrement évident dans leurs visages défigurés et tristes qui expriment fortement la douleur de leur peuple..
En ce sens, son travail est centré sur la figure humaine, avec des couleurs vibrantes et des thèmes sociaux..
Malgré l'adaptation de son travail aux expériences et aux techniques que le contact avec les grands artistes de l'époque lui a laissées, il a toujours maintenu l'expression du sentiment humain sur sa toile. Dans toute sa création, trois âges peuvent être différenciés, qui sont les suivants:
La Fondation Guayasamín a réussi à rassembler certaines des premières créations de l'artiste, qui a commencé à peindre et à dessiner à l'âge de 7 ans. Lorsqu'il entre à l'École des Beaux-Arts à l'âge de 12 ans, il séduit les professeurs et ses camarades de classe par sa virtuosité. Déjà à cet âge, il a commencé à travailler sur le thème social qui a ensuite marqué toute sa carrière.
Ce qui est considéré comme sa première étape est ce qu'on appelle sa première série: The Road of Crying.
Cette étape se déroule entre 1945 et 1952 et se concentre principalement sur le voyage qu'il a effectué avec ses amis à travers l'Amérique du Sud, au cours duquel il s'est arrêté pour visiter chaque ville pour appréhender leur réalité..
Grâce aux notes et dessins qu'il a réalisés au cours du voyage, il a légué au monde Huacayñan, ou la manière de pleurer, sa première série de 103 peintures dans laquelle il capture le problème des Indiens, des Noirs et des métis à travers des archétypes universels qui apparaissent dans des décors avec des symboles ancestraux, tels que la lune, le soleil et les montagnes.
Avec toute sa charge symbolique universelle, cette série est celle qui lui a donné une place dans le monde des arts.
Dans cette étape qu'il a développée dans les années 60, Guayasamín a démontré que le contenu esthétique n'est pas ce qui est important dans son travail mais le contenu social, le message d'un homme contre l'oppression, la violence et la souffrance..
L'origine de cette plainte remonte à l'époque où, dans sa jeunesse, un ami d'enfance a été assassiné par la répression à Quito. De là, l'artiste entreprend la croisade pour dépeindre la violence de l'homme contre l'homme pour laisser un message de rébellion et lutter contre l'aliénation..
Cette rébellion est évidente aux yeux de ses personnages, qui réclament un changement. Leurs personnages ont une grimace de douleur malgré la sérénité dont ils font preuve, leurs mains crient d'espoir. Tout cela se reflète avec d'énormes traits verticaux pour marquer davantage la douleur.
Avec cette œuvre, Guayasamín a secoué le monde en exposant toute la cruauté de l'homme au cours du XXe siècle. Pour cette raison, il a réussi à exposer dans les principales villes occidentales du monde, provoquant un émoi à la fois dans les critiques et dans la communauté..
Ce cycle a commencé dans les années quatre-vingt en hommage à sa mère, figure transcendantale de sa vie, à qui il a déclaré son amour et sa gratitude pour toujours le soutenir..
Cette série marque un changement dans le travail de l'artiste sans que cela signifie que les personnages, désormais plus sereins qu'avant, perdent en quelque sorte leur message de dénonciation et de critique..
L'âge de la tendresse, ou Tant que je vis, je me souviens toujours de toi, Il est composé de 100 œuvres dont le centre est un hommage à sa mère; en fait, il se réfère en général à la figure de la mère, y compris la Terre Mère.
Cet ensemble est également considéré comme un hymne aux droits de l'homme. C'est la dernière œuvre qui l'a occupé, de 1988 à 1999.
En raison de son style esthétique particulier, mais surtout en raison de son thème axé sur la libération d'un message de rébellion et la dénonciation de l'humanité, Guayasamín a réussi avec son art à traverser les frontières de son Équateur natal et à occuper une place d'honneur dans les arts universels..
C'était tellement grâce au fait que sa création a une expressivité particulière du temps qu'il a dû vivre, pour transmettre un message qui a éveillé la conscience de l'humanité et a réussi à générer le cri de rébellion..
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