La peinture romaine C'est la manifestation artistique et picturale développée par la culture romaine pendant l'Antiquité classique. Généralement, elle était réalisée sur les murs des maisons des familles les plus riches, c'est pourquoi elle était qualifiée de fresque. Cependant, il existe également des enregistrements de peinture sur table.
L'une des caractéristiques de l'art romain est qu'il a commencé à la fois avec l'art étrusque et avec celui des petites colonies grecques - dont il s'inspire directement de la culture. Pour cette raison, des éléments picturaux des différentes cultures méditerranéennes se retrouvent dans les territoires romains..
Parce qu'il s'agit principalement de fresques - c'est-à-dire de peintures murales -, tant d'expressions picturales romaines n'ont pas été conservées. En fait, les restes trouvés sont très petits et consistent principalement en des structures découvertes lors des fouilles de Pompéi et d'Herculanum..
Cependant, la peinture romaine d'une manière plus réduite a utilisé d'autres techniques, telles que la décoration des vaisseaux et la miniature sur parchemin.
À leur tour, les Romains ont également fait des mosaïques, bien que celles-ci aient été utilisées principalement sur les sols. Cette circonstance a changé pendant la période byzantine, où une redécouverte des mosaïques en tant qu'expression artistique s'est produite..
En ce qui concerne ses thèmes, la peinture romaine était centrée sur des éléments religieux, mystiques et historiques; Ceci dans le but d'enregistrer leurs croyances et leurs expériences pour les faire durer dans le temps et les transmettre de génération en génération..
Cependant, les Romains ont également beaucoup apprécié le caractère ornemental de l'art, ils ont donc recherché la symétrie et l'harmonie des formes. Ils ont pris cette croyance des Grecs, qu'ils imitaient dans presque tous les aspects de la vie.
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Comme mentionné dans les paragraphes précédents, l'art romain est né de l'influence de l'art étrusque et grec, que les Romains ont approché lorsqu'ils ont rencontré les colonies situées à Magna Graecia..
De même, l'influence grecque a augmenté au cours du IIe siècle avant JC. C., après l'invasion de la Macédoine et de la Grèce par les Romains dans le but d'accroître l'union territoriale de la péninsule.
Malgré les imitations notables des Romains, on ne peut pas dire que toute leur production artistique consistait à copier, car l'épistémologie dominante dans la péninsule était très différente de la façon de penser des Grecs..
Par exemple, les manifestations romaines avaient une inclination urbaine et guerrière, qu'elles unissaient au sens esthétique des peuples conquis. En d'autres termes, bien que les Romains aient acquis le goût raffiné d'autres cultures, leur intérêt artistique était beaucoup plus pratique et avec de fortes tendances militaires..
De même, l'art romain n'a pas connu d'évolutions notables (contrairement à l'art grec, qui était divisé en trois grandes périodes, celles-ci étant archaïque, classique et hellénistique). En revanche, ses manifestations artistiques étaient assez uniformes; ceci en raison du fort centralisme que l'empire a exercé à son apogée.
Cependant, les auteurs ont pu établir quatre étapes ou styles dans les expressions picturales romaines:
Cette étape a ses influences de la période hellénistique et peut être localisée chronologiquement au IIe siècle avant JC. Son esthétique est basée sur la décoration des murs de marbre, où l'objet pictural a été divisé en trois bandes placées horizontalement.
La bande inférieure fonctionnait comme un socle, tandis que la bande médiane se décomposait à son tour en d'autres couches colorées. Enfin, la bande supérieure se composait d'une frise blanche qui complétait l'ensemble de la représentation.
Ces peintures ne peuvent être vues que dans les ruines de Pompéi, où elles pourraient être mieux conservées.
Cette période picturale a émergé au 1er siècle avant JC. C. et il s'est étendu jusqu'aux débuts de l'Empire romain. On l'appelait «style architectural», car les artistes manifestaient un intérêt à ouvrir les murs afin de construire une certaine notion de perspective, offrant au spectateur une simple sensation de profondeur..
Pour obtenir cet effet, les peintres ont introduit architectures peintes, c'est-à-dire qu'ils peignaient des colonnes, des fenêtres, des entablements et des niches, qui conduisaient généralement à un paysage ou à un jardin imaginaire. Parmi ces spécimens, certaines fresques ont été conservées à Rome et à Pompéi.
Ce style a coïncidé avec le style architectural, tel qu'il s'est développé au 1er siècle avant JC. Au cours de cette phase, les effets architecturaux ont été éliminés et les peintures avec des paysages et des figures ont été plus pertinentes..
Par conséquent, le souci de la perspective s'est atténué et le nombre d'éléments décoratifs a augmenté. Le style ornemental a cessé d'être pratiqué avec l'arrivée de Nero au pouvoir.
Il est situé au milieu du 1er siècle avant JC. C. et a travaillé comme une synthèse des autres styles précédents. Par conséquent, dans la quatrième période, une scénographie fantastique domine où des motifs imaginaires ou mystiques se mélangent aux espaces architecturaux..
Certains auteurs affirment qu'il s'agissait d'un baroque conceptuel - bien que le terme soit anachronique -, car à travers les espaces, il a été cherché à provoquer des illusions d'optique. Le relief de ces peintures a été réalisé grâce à l'utilisation de stuc.
Ces spécimens pourraient être conservés à la fois à Rome et à Pompéi et maintenir une certaine influence de l'art égyptien.
- Les peintres romains se sont concentrés sur la représentation de thèmes mystiques et historiques, ainsi que sur des paysages et des éléments naturels..
- En raison de l'influence de l'art grec et égyptien, la peinture romaine a maintenu un certain hiératisme dans ses figures. C'est-à-dire la rigidité et l'immobilité. De plus, l'union avec les éléments architecturaux accentuait le caractère sculptural et immobile des personnages..
- Les couleurs les plus utilisées étaient le rouge et le noir. Cependant, ils ont également utilisé des verts. Il est important d'ajouter que les peintres romains n'aimaient pas mélanger les couleurs, donc les tons étaient assez puristes.
- Les peintures ont été réalisées en fresque, ce qui a nui à leur conservation au fil du temps. De plus, la plupart des œuvres manquent de paternité.
Les thèmes centraux des peintures romaines étaient la religion et l'histoire. Par conséquent, leurs représentations étaient constituées d'événements de la mythologie romaine et d'importants événements historiques, guerriers et politiques..
Cependant, lors de fouilles dans les ruines de Pompéi et d'Herculanum, les archéologues ont trouvé des peintures intéressantes représentant des scènes érotiques. Ces images ont servi à décorer les bains de la ville et ont servi de référence aux chercheurs pour s'informer sur les coutumes sexuelles de l'époque..
De même, les récipients retrouvés ont été décorés d'actions de la vie quotidienne, ce qui a permis aux chercheurs de faire une remarquable approche de l'organisation sociale de cette ancienne civilisation. Par exemple, les fêtes et mariages étaient parfois représentés, ainsi que certains métiers comme l'écriture ou l'ébénisterie..
Comme mentionné dans les paragraphes précédents, la plupart des peintures romaines manquent de paternité. Cela aurait pu se produire en raison des problèmes rencontrés par les peintres lors de la conservation de leurs pièces, ce qui a nui au travail artistique..
Pour cette même raison, les Romains appréciaient davantage les sculptures, car elles étaient plus durables dans le temps et exigeaient plus d'efforts..
Bien que le nom des auteurs soit inconnu, les archéologues et les chercheurs ont réussi à sauver les œuvres suivantes:
Il s'agit d'une fresque probablement réalisée à l'époque d'Auguste et considérée comme l'exemple artistique le plus important des fouilles de Pompéi. Il a été trouvé en 1606 près du mont Esquilino, anciennement les jardins de Mecenas.
Dans l'œuvre, vous pouvez voir un triptyque divisé en deux colonnes et dans lequel dix personnages apparaissent. Au centre de la peinture se trouve la mariée, portant le voile de mariage typique. À ses côtés, elle est accompagnée d'une femme à la poitrine nue, qui pourrait être la personnification de la déesse Aphrodite..
Sur la gauche, il y a une jeune femme qui mélange des huiles parfumées, qui serviront à oindre le corps de la mariée. Sur la droite, le marié est assis sur une plate-forme accompagné de trois jeunes hommes, qui font des offrandes et chantent.
Le tableau a été acquis par le cadernal Aldobrandini, qui lui a donné le surnom. Plus tard, il a été acheté par le banquier Vicente Nielli en 1812, qui l'a ensuite donné aux musées du Vatican..
Dans cette fresque, l'histoire mythologique de Paris et des trois déesses est représentée. Dans cette histoire, il est dit que la déesse Eris - personnification de la discorde - laisse une pomme d'or au mariage de Peleo avec la phrase "pour la plus belle".
Les déesses Héra, Aphrodite et Athéna commencent à se disputer sur la pomme et, pour mettre fin au conflit, Zeus décide de choisir un juge pour décider lequel des trois possède la grosse main. Pour cela, Paris a été sélectionné, qui était le prince de Troie.
Les trois déesses tentent d'acheter le prince avec des cadeaux différents, mais Paris choisit finalement Aphrodite, qui lui avait promis l'amour d'Hélène, la plus belle femme du monde. Cependant, Helen était mariée au roi Ménélas, ce qui a finalement déclenché la vengeance du roi et a abouti à la célèbre guerre de Troie..
C'est une représentation simple et hiératique, où l'on voit Paris assis sur un rocher en train de regarder les trois déesses: Aphrodite sort nue, tandis qu'Athéna porte son arme et son bouclier avec elle; Hera garde la toge typique des épouses.
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